30/08/2011

LA FAMILIA DEL DUQUE DE OSUNA, OLEO SOBRE LIENZO, FRANCISCO DE GOYA

La Familia del Duque de Osuna, 1788, Óleo Sobre Lienzo, 225x174 cms, Museo del Prado, Madrid


Goya como pintor de Cámara

El cuadro pintado en el año 1789 La familia del duque de Osune, retrata a una de las familias más influyentes de Madrid.  Goya tenía mucho que agradecer a los Osuna, porque éstos le apoyaron a partir de mediados de los 80 mediante varios encargos y lo introdujeron en círculos aristocráticos, cosa que hizo prosperar su carrera, especialmente como retratista.

Goya intentó plasmar el liberalismo ilustrado y el compromiso social de los duques de Osuna,  renunciando a los modelos de representación tradicionales que solían expresar rigidez y tensión.  En su lugar remarcó la armonía relajada, cariñosa y familiar de los retratados y se inspiró en modelos ingleses como por ejemplo Gainsborough


AUTORRETRATO FRANCISCO DE GOYA 1783

Autorretrato, 1783.  Óleo sobre lienzo, 80 x 54 cms.
 Musée des Beaux-Arts, Agen
Autorretratos de Pintores Famosos
Autorretrato de Francisco de Goya
Autorretratos en Óleo

EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS, FRANCISCO DE GOYA

El sueño de la razón produce monstruos (de la serie Caprichos) hacia 1797. Grabado al aguafuerte y aguatinta, 21,6 x 1 5,2 cm. Colección particular


Sus temas surgían de la idea y no de la naturaleza, es decir, los había extraído de la fantasía.  Con ello consolidó la seguridad que otorga la libertad artística necesaria para sus trabajos políticos altamente explosivos.
El famoso Capricho número 43, El sueño de la razón produce monstruos, estaba pensado como título de toda la serie.  Este grabado al aguafuerte muestra al artista sumido en un sueño del que surgen murciélagos, mochuelos y un gato

BUFALO, GEORGE CATLIN

Bufalo 1875-1877  
 George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
Pinturas Indios
 





BUFFALO CHASE, GEORGE CATLIN

Buffalo Chase
George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
Pinturas Indios 

29/08/2011

CABALLOS SALVAJES EN LA PRADERA, GEORGE CATLIN

Caballos salvajes en la Pradera 1845
 George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
Pinturas Indios 

CACERIA DE BUFALOS, GEORGE CATLIN

Caceria de Bufalos, 1875-1877
  George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
Pinturas Indios 

CAPTURA DE CABALLOS SALVAJES, GEORGE CATLIN

Captura de caballos Salvajes,1875-1877
  George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
Pinturas Indios 

CAPTURA DE BUFALOS SALVAJES, GEORGE CATLIN

Captura de Bufalos Salvajes, 1875-1877
  George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
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INDIOS NORTEAMERICANOS, GEORGE CATLIN

Indios Norteamericanos  1845
  George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
Pinturas Indios 

JUEGO DE PELOTA, GEORGE CATLIN

Juego de Pelota 1845
  George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
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28/08/2011

LA DANZA DEL BUFALO, GEORGE CATLIN

La danza del Bufalo, 1875-1877
  George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
Pinturas Indios 

LA DANZA DEL OSO, GEORGE CATLIN

La danza del Oso, 1875-1877
  George Catlin
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Dibujos Antiguos de Indios
Los Indios en el arte Antiguo
Pinturas Indios 

LOS LOBOS BLANCOS ATACANDO A UN BUFALO, GEORGE CATLIN

Los lobos blancos atacando a un Bufalo, 1845
  George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
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Los Indios en el arte Antiguo
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TAMING WILD HORSES, GEORGE CATLIN

Taming Wild Horses
  George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
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TIRO CON ARCO DE LOS MANDANS, GEORGE CATLIN

Tiro con arco de los Mandans, 1845
  George Catlin
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Los Indios en el arte Antiguo
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GALERIA: PINTURAS DE INDIOS, GEORGE CATLIN

Bufalo1875-1877
  George Catlin
Pinturas de Indios Antiguas
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Buffalo Chase
  George Catlin
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Caballos salvajes en la Pradera 1845
  George Catlin
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Caceria de Bufalos, 1875-1877
  George Catlin
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Captura de caballos Salvajes,1875-1877
  George Catlin
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Captura de Bufalos Salvajes, 1875-1877
  George Catlin
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Indios  1845
  George Catlin
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Indios Norteamericanos, 1845
  George Catlin
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La danza del Bufalo, 1875-1877
  George Catlin
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La danza del Oso, 1875-1877
  George Catlin
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Los lobos blancos atacando a un Bufalo, 1845
  George Catlin
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Taming Wild Horses
  George Catlin
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Tiro con arco de los Mandans, 1845
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27/08/2011

EL JOVEN DIBUJANTE, JEAN-BAPTISTE SIMÉON CHARDIN

Jean-Baptiste Siméon Chardin, El joven dibujante, Staatliche Museen, Berlín. Patrimonio Cultural Prusiano, Pinacoteca 


Con la pluma afilada entre las manos, un joven contempla el dibujo de una persona mayor.

Con este cuadro casi caricaturesco Chardin posiblemente hizo referencia a la imitación de los maestros académicos en las escuelas de arte, método que el pintor nunca aprobó Para él era prioritario el estudio de la naturaleza.

ARTE BAJO EL SÍMBOLO DE LA ILUSTRACIÓN, JEAN-BAPTISTE

Jean-Baptiste Siméon Chardin, El joven dibujante, 1737. Óleo sobre lienzo, 81 x 67 cm. Staatliche Museen, Berlín. Patrimonio Cultural Prusiano, Pinacoteca


Arte bajo el símbolo de la Ilustración

La sencillez y el objetivismo requerido encontró su eco principalmente en los cuadros del francés Jean Baptiste Siméon Chardin.  Al mismo tiempo y delimitando claramente las representaciones de otros pintores de la distinguida sociedad, Chardin abrió los ojos a la vida que se desarrollaba más allá de la despreocupación y del frívolo divertimento de la aristocracia.

En cuadros sosegados, en los que es innegable la influencia de la pintura de géneros holandesa, presenta a menudo la modestia y la sencillez de la vida del tercer estado. Con estas pinturas tan íntimas y poco espectaculares, en el buen sentido de la palabra, Chardin postulaba una estética burguesa ya característica durante la pintura costumbrista del barroco holandés.

El brillante tratamiento pictórico, cuya soltura de pincel consideraron magistral los impresionistas, y sus personajes libres de toda presuntuosidad, fueron del gusto de los Ilustrados. 

EL CONTRATO MATRIMONIAL, WILLIAM HOGARTH

William Hogarth, El contrato matrimonial, 1743-45. Óleo sobre lienzo, 68,6 x 88,8 cm. National Gallery, Londres 


En una serie de 6 cuadros Hogarth explica la historia (ficticia) de un matrimonio de conveniencia, que acabará violenta y mortalmente, entre el hijo de un conde y la hija de un rico comerciante


Los cuadros sirvieron de modelo a la serie correspondiente de grabados en cobre, que fueron encargados anticipadamente, incluso antes de que el pintor los hubiera terminado y encontraron gran aceptación en toda Europa.

En el contrato matrimonial, pintado según la perspectiva caballera típica del siglo XVIII, puede observarse a la izquierda de la habitación una pareja de novios, sentados en un sofá, que no muestran ningún tipo de interés el uno por el otro.


A la derecha, los padres negocian.  El conde necesita la dote de su nuera para financiar un palacio en construcción que se ve a través de la ventana. Además, todos los detalles del cuadro, incluso las pinturas más pequeñas (copias de italianos) apuntan hacia el curso de los acontecimientos. 

REGENCIA Y ROCOCO 1715-1780, JEAN ANTOINE WATTEAU

Jean Antoine Watteau, Gilles, Óleo sobre lienzo, Musée du Louvre. París


REGENCIA Y ROCOCO 1715-1780

La pintura representativa del clasicismo barroco no encontró el gusto ni el espíritu de una sociedad que se divertía a lo grande sin una gran ceremoniosidad cortesana y que, al mismo tiempo, se deleitaba con un estilo de vida algo libertino. Los nuevos comitentes encargaban pinturas que se correspondieran con la intimidad y la privacidad de los pequeños y elegantes palacios de ciudad que debían decorar.

De esta forma se modificaron, por una parte, los formatos y por otra, el repertorio pictórico y el vocabulario de formas. Los pintores franceses del rococó dejaron de inspirarse en el estilo clasicista, severo y llano de Poussin, en el que los contornos tenían un papel protagonista.

Su nuevo ideal se llamaba Rubens. La obra del maestro de Flandes contenía aquella vitalidad y sensualidad, aquella brillantez de colorido y materialidad que dejaba converger en un punto de la composición toda la temática y que el arte representativo del absolutismo con todo su vital trazado lineal nunca pudo desarrollar por completo. El cambio de lo heroico hacia lo sentimental, decorativo e íntimo que caracterizó el nuevo estilo pudo contemplarse por primera vez en los cuadros de Antoine Watteau.

JACOB VAN RUISDAEL, EL MOLINO DE WIJK

JACOB VAN RUISDAEL, EL MOLINO DE WIJK, HACIA 1670. RIJKSMUSEUM, AMSTERDAM


Ruisdael, que en su juventud había visitado las Provincias Holandesas y la vecina Alemania, vivió desde 1656 y hasta su muerte en Amsterdam Sus primeros paisajes ideales, en los que reflejó un ambiente heroico y romántico, comenzaron a cambiar. Se caracterizan por una apertura del espacio pictórico a la profundidad y una preferencia hacia los paisajes planos y melancólicos, que están cubiertos por inmensas nubes.

El molino de Wijktambién refleja un ambiente de estas características.  La presencia de nubes grandes y pesadas que se reflejan en el agua y las velas que se izan en la barca, anuncian una gran tormenta.  Detrás del poderoso molino se esconde un pueblo en busca de protección en el llano paisaje cerca del río.  Sin embargo, los palos de madera en la orilla están torcidos, desnivelados, como si sólo pudieran ofrecer una protección muy débil ante el inminente enfurecimiento de los elementos.

"PAYSAGES MORALISÉS", JACOB VAN RUISDAEL

Uno de los grandes maestros de los "paysages moralisés" es Jacob van Ruisdael.  En sus paisajes se encuentran por doquier los motivos de vanitas, como iglesias caídas o árboles muertos que indican lo efímero del ser.  En el cuadro El molino de Wijk también se esconde un significado alegórico en esa atmósfera tan sensual. 

El gran molino presenta en su monumentalidad un carácter parecido al de una torre de defensa que, obstinada, se enfrenta a un inmenso cielo en el que se está formando una gran tormenta.
La profunda melancolía pacífica se convierte en imagen de paz dudosa; la paz que precede a la tempestad. 

25/08/2011

WILLEM KALF, BODEGONES

Willem Kalf, La sopera china, Óleo sobre lienzo. Staatliche Museen, Berlin


Muy a menudo los bodegones holandeses mostraban objetos de riqueza: latón brillante, copas de cristal finamente esmeriladas, perlas brillantes y moluscos exóticos o porcelana muy valiosa.

No obstante, los pintores no sólo retrataron con tanta realidad la belleza de los objetos para mostrar su propia virtuosidad artística, aunque para muchos compradores los tesoros pintados sustituían a los auténticos, sino que también utilizaron la fascinación material de los objetos para recordar lo efímero de todas las cosas sensuales y bellas de este mundo.

En muchas ocasiones en los bodegones se representan calaveras, relojes de arena, velas consumidas o cuerdas rotas (motivos de los "vanitas") como indicación directa de la caducidad del ser humano: todas las cosas bellas, el arte, la naturaleza y los objetos cotidianos deben reconocerse y disfrutarse, pero no sobrevalorarse. Y es justamente esta concepción la que los bodegones reclaman para ellos mismos de forma encubierta: la seducción de este gran estilo pictórico reside en que por muy reales que parezcan un limón pelado, un jarrón reluciente y una copa brillante, el lujo siempre es falso.

LA SOPERA CHINA, WILLEM KALF

Willem Kalf, La sopera china, 1662. 64x53 cm, Óleo sobre lienzo. Staatliche Museen, Berlin. Patrimonio Cultural Prusiano, Pinacoteca


La belleza efímera conservada para siempre: el Bodegón

Los bodegones, que en la Holanda del siglo XVII tuvieron un auge inalcanzado posteriormente y que en un principio parecen tan objetivos, contenían asimismo un componente moralizante.

A pesar de que durante la época renacentista los artistas también perseguían una representación precisa y detallada que reflejara la variada materialidad de los objetos (recuérdese los tesoros que el Comerciante Gisze de Holbein acumula a su alrededor), el hecho de que la acumulación de riqueza se convierta en el único tema de un cuadro es un mérito del siglo XVII.

Por consiguiente, los bodegones no se convirtieron en un género independiente hasta bien entrado el barroco.

JAN STEEN, STAATLICHE MUSEEN, BERLÍN

Jan Steen, Pelea en el patio de una taberna, Óleo sobre lienzo, Staatliche Museen, Berlín


Mucho más drástico y rudo es el estilo de Jan Steen, que con sus escenas cotidianas mostró hasta dónde se puede llegar cuando la decencia y la moral caen en el olvido.  Los temas que trata constantemente en sus obras son peleas en las tabernas, banquetes salvajes, casas caóticas y llenas de suciedad en Holanda.

Todavía hoy en día se describen las familias caóticas como "una casa de Jan Steen". Con humor pero con el dedo índice levantado, Jan Steen pone en escena el infierno terrenal, es decir, advierte sobre la destrucción de la existencia económica y la consiguiente llegada de la pobreza. 

Las representaciones anecdóticas de las tabernas y las escenas de alcahuetas y de prostíbulos (bordeeltjes) fueron muy populares durante todo el barroco holandés; posiblemente porque estos cuadros no están libres de una doble moral y en cierto modo, equilibran la balanza entre el juicio y la atracción de los pecados. 

REMBRANDT, LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DR. TULP

La lección de anatomía del Dr. Tulp. Óleo sobre lienzo, Mauritshuis, La Haya


En 1631 se mudó a Amsterdam.   Allí pintó al año siguiente su primer retrato en grupo para una corporación de cirujanos La lección de anatomía del doctor Tulp. En esta obra consiguió captar una vitalidad hasta entonces desconocida.  

La clase de anatomía no fue el tema principal para representar a la corporación, sino que, mediante las atentas miradas de los médicos colocó en primer plano el tema de la clase en sí, para retratar a los miembros de la corporación en su ambiente natural. Además, en esta obra Rembrandt demostró su excelente dominio de la luminosidad

Los rostros de los médicos están sumergidos en una luz notablemente clara; de esta forma consigue que todas las personas, aunque cada una sea un individuo independiente, destaquen conjuntamente de la oscuridad y sean reconocibles como un grupo unido.

EN EL APOGEO DEL ÉXITO, REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN

El festín de Baltasar. 1630. Óleo sobre lienzo, 167,6 x 209,2 cm. National Gallery, Londres


En el apogeo del Éxito

En el año 1628 llegó a Leyden el renombrado poeta, erudito y consejero gubernamental Constantijn Huygens.  Observó los trabajos de Rembrandt y quedó impresionado. Su alabanza entusiasta tuvo las consecuencias esperadas: Rembrandt encontró compradores y su fama comenzó a aumentar.

De este modo, el pintor tuvo la posibilidad de aceptar aprendices en su taller, que después de poco tiempo adoptaron de tal forma el estilo artístico del maestro que incluso hoy en día los historiadores de arte tienen problemas para diferenciar sus obras de las de los alumnos.
El mejor ejemplo de ello es el cuadro.  El hombre del velmo de oro, del que recientemente se ha descubierto que fue obra de un alumno suyo.

En el año 1630 comenzó la etapa más productiva de su vida. Incrementó la producción de grabados al aguafuerte, que vendió en grandes cantidades y consiguió que sus obras y también su nombre se fueran extendiendo.  Cada vez obtuvo más renombre y su fortuna iba creciendo. 

24/08/2011

CONVOCATORIA ABIERTA: IV FESTIVAL DE PINTURA 2011

Bases: IV Festival Internacional de Pintura 2011

-   A este evento podrán participar todos los artistas nacionales e internacionales
-  No tendrá ningún costo su participación, las obras enviadas para este evento serán donadas y no tendrán  devolución, con ellas se realizará un segundo evento en un museo de Neiva capital del Huila,  y posteriormente  se realizara una subasta en pro de la liga contra el cáncer capitulo Pitalito.

 * Las medidas de las obras son libres desde 20 x 20 cm, hasta 200 x 200 cm
 * Los materiales pueden ser sobre lienzo, papel, madera ó similares.
 * La fecha límite para la recepción de las obras será hasta el 30 de septiembre del 2011.
 * El Evento se realizara del 28  de octubre al 10 de noviembre del 2011
 * Cada artista puede participar con un máximo de 2 obras.
 * Las obras serán sin enmarcar ó montadas en bastidor y el tema es libre.  
 * Se entregaran 10 menciones de Honor por parte de la Administración Municipal y el    Gobierno Departamental y Certificado de donación   por parte de la Liga Contra el Cáncer.

* Lugar de recibo de obras:
   Galería de Arte la Terraza
   Dirección: calle 8 sur # 4 A - 17  
   Barrio: la Terraza  
   Móvil: 311 224 2502                                                         
   Pitalito - Huila - Colombia
   Email: jmmgrillo@yahoo.com